A Casa que Dança leva ao Ibirapuera uma arquitetura paranaense enraizada no modernismo e no presente

Nem todo projeto exposto em uma bienal precisa gritar para ser ouvido. Alguns falam baixo, com precisão, e é exatamente isso que torna A Casa que Dança um dos trabalhos mais interessantes da 1ª Bienal de Arquitetura Brasileira, realizada de 25 de março a 30 de abril no Parque Ibirapuera, em São Paulo.

O projeto é assinado pelo escritório curitibano Boscardin Corsi, comandado pelos arquitetos Ana Carolina Boscardin e Edgard Corsi, e representa o Paraná nessa primeira edição do evento. O ponto de partida é a memória das casas modernistas paranaenses disseminadas pelo estado a partir dos anos 1950, marcadas pela clareza formal, pela integração com a paisagem e por uma elegância sem excessos. Mas o escritório não trata esse repertório como arquivo, trata como matéria viva.

Modernismo paranaense como ponto de partida, não como moldura

Casas com estrutura aparente, volumes retos, varandas generosas e uma relação direta com o entorno marcaram o imaginário residencial paranaense ao longo de décadas. Esse tipo de produção, que tem na obra de nomes como Vilanova Artigas e Lolô Cornelsen algumas de suas referências mais consistentes, não foi tratado pelos arquitetos como homenagem nostálgica. Foi reposicionado no presente.

“Nossa intenção foi revisitar uma arquitetura muito presente no imaginário paranaense sem tratá-la como memória estática. A casa muda com o tempo, mas segue capaz de acolher, reunir e refletir a vida de quem passa por ela”, afirmam Ana Carolina Boscardin e Edgard Corsi.

Esse deslocamento é o que diferencia o projeto de uma reconstrução histórica. A linguagem modernista fornece a estrutura, mas os materiais, as escolhas cromáticas e o mobiliário falam do agora, de um modo de viver que exige ao mesmo tempo acolhimento e liberdade de adaptação.

Uma casa de verdade dentro da Bienal

O grande diferencial de A Casa que Dança no contexto expositivo foi a decisão de construir, de fato, uma casa completa dentro do espaço da Bienal. Não uma maquete ampliada, não um recorte de ambiente: uma habitação de 100 m², com planta funcional, percurso definido e experiência espacial coerente do início ao fim.

Essa escolha amplia o alcance do projeto. O visitante não observa a arquitetura de fora, ele atravessa os cômodos, percebe as transições entre interior e exterior, sente a diferença de temperatura tátil entre o concreto pigmentado da varanda e a madeira do interior. É uma experiência que nenhuma imagem substitui.

A planta preserva elementos centrais da construção original e organiza os espaços com fluidez. O percurso foi desenhado para que arquitetura, arte e mobiliário convivam com naturalidade, em uma atmosfera que alterna precisão e acolhimento. Não há espaço ornamental no projeto. Cada decisão responde a uma intenção.

O nome que veio de um verso

O título do projeto não é arbitrário. Ele vem de um verso de Paulo Leminski, escritor e poeta curitibano: “Tudo dança hospedado numa casa em mudança”. A frase carrega a essência do que o escritório quis construir: uma casa que se transforma sem se perder. Que recebe novas camadas sem apagar a sua origem.

Em um momento em que a decoração de interiores frequentemente persegue tendências de ciclo curto, essa proposta escolhe o caminho oposto. A permanência como valor. A continuidade como projeto.

Materialidade: concreto, tijolo, inox e mármore paranaense

A escolha dos materiais em A Casa que Dança não é decorativa, é narrativa. Cada superfície foi selecionada pela durabilidade, pela beleza que amadurece com o uso e pela relação com o território paranaense.

A varanda é um dos pontos mais marcantes do projeto. O piso de concreto pigmentado em vermelho evoca a terra fértil do Paraná e cria uma transição calorosa entre dentro e fora. As esquadrias seguem esse gesto cromático, enquanto pilotis e volumes retomam princípios centrais do modernismo brasileiro. Paredes de tijolos pintados de branco e estrutura aparente completam essa base, criando um espaço que não precisa de disfarces para funcionar.

O inox surge na cozinha com precisão cirúrgica, introduzindo contraste e complemento ao mesmo tempo. A frieza do metal dialoga com a memória tátil dos pisos e das madeiras, e esse encontro não é ruptura. É parte da narrativa: o projeto não apaga o antigo para receber o novo. Ele os coloca lado a lado, com intenção.

Outro gesto que merece atenção são as sobras de mármore provenientes de jazidas paranaenses, reaproveitadas em peças construídas ao longo do ambiente. A divisória em Mármore Branco da Michelangelo atua como elemento arquitetônico e escultórico. O banco executado com esse mesmo material reafirma a relação entre permanência e reaproveitamento. O grande erro de muitos projetos expositivos é ignorar a procedência dos materiais. Aqui, ela é argumento.

Design autoral e arte paranaense como extensão da arquitetura

A linguagem do projeto não se encerra na arquitetura. Ela se estende ao mobiliário, ao desenho autoral e à arte, sempre a partir de uma mesma origem: o Paraná. A mesa e os puxadores desenhados pelo próprio escritório Boscardin Corsi traduzem em escala menor a mesma visão que conduz o projeto. O banco reforça a unidade do conjunto. Não são peças decorativas sobrepostas à arquitetura: são extensões dela.

A dimensão artística atravessa o projeto com delicadeza. A intervenção em azulejos assinada por Lenzi Jr, inspirada na obra de Poty Lazzarotto, introduz cor ao espaço de maneira gráfica e aquecida. O lavabo é onde essa composição ganha mais força: paredes em azul marinho na parte externa e os azulejos no interior criam um dos momentos mais plásticos do projeto. O banco Toinoinoin, de Jaime Lerner, incorpora ao ambiente uma memória afetiva ligada ao design paranaense, completando o conjunto com uma peça que carrega história e pertencimento.

A suíte como espaço de recolhimento contemporâneo

A suíte master foi redesenhada com um objetivo claro: ganhar privacidade e incorporar um espaço íntimo de leitura e pesquisa. Essa decisão fala do presente com muita clareza. Em um tempo em que concentração e silêncio voltaram a ter valor dentro de casa, o projeto responde com arquitetura.

“Existe um interesse genuíno em pensar a continuidade, tanto na arquitetura quanto nos materiais e nas peças que compõem o ambiente. São escolhas que falam de permanência, mas sem rigidez”, completam os arquitetos Ana Carolina Boscardin e Edgard Corsi.

No centro da casa, o núcleo que reúne cozinha, lavanderia e lavabo estrutura a planta com clareza funcional. É a parte mais densa do projeto em termos de material e uso, e também onde o contraste entre inox contemporâneo e tijolos históricos fica mais evidente. Essa tensão controlada é o que mantém o projeto vivo, sem nostalgia e sem superficialidade.

O que A Casa que Dança diz sobre arquitetura hoje

Participar de uma bienal com uma casa construída — não simulada — é, por si só, uma declaração. O projeto do escritório Boscardin Corsi recusa o caminho do espetáculo fácil e aposta em algo mais difícil de alcançar: uma arquitetura que comunica sem precisar explicar, que evoca sem precisar recriar.

A herança do modernismo paranaense está presente, mas não domina. Ela sustenta. O presente entra pelos materiais, pelo desenho, pelas escolhas cromáticas e pela forma como os espaços foram organizados para a vida de hoje. Arte, design de interiores, arquitetura e memória afetiva convergem em um único ambiente com coerência rara.

A Casa que Dança segue em cartaz até 30 de abril, no Parque Ibirapuera, em São Paulo.